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Alumno: Wilfrido Sánchez Guevara

Grupo 4,  Semestre 2

Pensamiento filosófico del arte 2

Profesor: Alejandro Rosales Peña Alfaro

  

INTRODUCCION

     Quattrocento, cuyo significado es cuatrocientos, en este ensayo veremos los acontecimientos más importantes de aquella época, también destacaré su desarrollo artístico, dando a conocer los artistas más importantes de esta época.
fue considerado uno de los períodos más importantes del panorama artístico europeo. Cronológicamente abarca todo el siglo XV y se acepta como la primera fase del Renacimiento.
En esta época aparece la figura del artista-creador en lugar del anonimato. Surgen los talleres del maestro, que es quien recibe los encargos de los clientes. Este hecho podría explicarse como el nacimiento de la categoría de autor. También podemos decir que en esta época el hombre es la obra más perfecta de Dios.

En la arquitectura religiosa se planteará el problema teórico y práctico de conjugar la tradición cristiana con la recuperación de la Antigüedad clásica, creando nuevas tipologías de edificio para los cuales no se tenía un modelo en el arte clásico, como son las iglesias. En ellos se va a mantener el sistema tradicional de plantas basilicales, longitudinales, pero con una tendencia a las centralizadas.

Además debemos incluir que tuvo una gran importancia ya que se produjo un cambio total en la historia, al volver a retomar el arte clásico, el ser humano era lo más predominante en el arte, su perfección y sus detalles. Se destacan principalmente artistas italianos ya que el Quattrocento nace en Florencia, Italia.

En esta época aparece la figura del artista-creador en lugar del anonimato. Surgen los talleres del maestro, que es quien recibe los encargos de los clientes. Este hecho podría sindicarse como el nacimiento de la categoría de autor. Desde un punto de vista formal, la aparición del arte del Quattrocento llevó a Italia a seguir una trayectoria en solitario hasta que en el siglo XVI las formas del Renacimiento se extiendan a los distintos países de Europa.
Una de las principales novedades que comporta la aparición del nuevo lenguaje radica en que no fue solamente

una mutación de índole formal como las que se habían producido en anteriores transformaciones artísticas. El arte del Quattrocento italiano surge íntimamente unido a una forma completamente distinta de entender la práctica artística y el funcionamiento de la obra de arte en la sociedad. Pues comporta una transformación que afectó a todas las formas de la vida, la economía, la política, la ciencia, la cultura y la religión.
Es cierto que esta transformación tiene sus raíces en una serie de factores y cambios que se venían dejando sentir con anterioridad. En relación con el ámbito de la cultura se aprecia la culminación de un proceso de secularización que afecta a todos sus aspectos. No se trata de que la cultura haya dejado de ser cristiana sino de que se ha desentendido de un patrocinio ejercido exclusivamente por la Iglesia. El arte comienza a cumplir funciones que superan los límites casi exclusivamente religiosos que había venido desempeñando. A través del arte los señores refrendan en las cortes una imagen de prestigio que explica el alcance y empeño de sus empresas artísticas. Los grandes señores, a través del arte, de sus colecciones y de sus artistas emprenden acciones políticas y diplomáticas. Pues la cultura forma parte de la virtud inherente a todo príncipe que ve como una necesidad el afrontar importantes programas artísticos.

La arquitectura renacentista del Quattrocento se inicia gracias a una doble vía, la recuperación de la Antigüedad mediante la aplicación a la arquitectura de una serie de elementos y soluciones basadas en el conocimiento de las ruinas romanas,  y la configuración de un cuerpo teórico perfectamente sistematizado.
Con él va a renacer el empleo de elementos constructivos y decorativos clásicos como el arco de medio punto, las columnas y pilastras con los órdenes clásicos, las bóvedas de cañón decoradas con casetones, las cúpulas de media naranja o la decoración de grutescos. En la arquitectura religiosa se planteaba el problema teórico y práctico de conjugar la tradición cristiana con la recuperación de la Antigüedad clásica, creando nuevas tipologías de edificio para los cuales no se tenía un modelo en el arte clásico, como son las iglesias. En ellos se va a mantener el sistema tradicional de plantas basilicales, longitudinales, pero con una tendencia a las centralizadas.

Algunos personajes más relevantes de la Arquitectura del Quattrocento:

Filippo Brunelleschi es el primer gran arquitecto del Quattrocento florentino, a él se debe la gran cúpula de Santa María de las Flores, que elevada sobre un tambor octogonal presenta unas dimensiones fantásticas, para lo cual idea la solución técnica de hacer dos cúpulas unidas, una interior semiesférica y otra exterior apuntada, consiguiendo que la última contrarreste los empujes de la primera. Al exterior emplea galerías de arcos de medio punto, hornacinas y entablamentos clásicos.
Alberti: A él se deben los tratados teóricos: De Pictura, De Scultura, De re aedificatoria, de una enorme repercusión posterior. De sus realizaciones destaca la fachada de la iglesia de Santa María Novella, resuelta como los arcos triunfales romanos y el Palacio Rucellai es su gran aportación a la arquitectura civil, cuya fachada se decora con pilastras de órdenes superpuestos.
Giulano da Sangallo será uno de los arquitectos preferidos de Lorenzo de Médicis, a él se debe la codificación de la villa renacentista, con la realización de la Villa Médicis.  La escultura se va a inspirar igualmente en los modelos clásicos, pero no contará con el apoyo de la tratadística como había ocurrido con la arquitectura, por lo que muchas de sus experimentaciones tomarán su modelo en las experiencias realizadas en las otras artes, tanto en la pintura como en la arquitectura. Sin embargo en este arte no se va a producir un rompimiento tan tajante con la escultura gótica, que en Italia, por otra parte, había estado hondamente vinculada con los modelos clásicos. Así, en las primeras realizaciones, todavía

se advierte una esbeltez en las proporciones y una elegancia lineal y curvilínea.
Se introduce el gusto por el desnudo, temática enteramente clásica, se utilizan materiales nobles como el mármol y el bronce, predominantes en la antigüedad, y domina el interés por lo monumental y lo severo. Además del género religioso aparecen nuevos temas donde se caminará hacia una secularización introduciendo elementos profanos y alegóricos, centrándose sobre todo en la escultura funeraria, el retrato ecuestre y el busto, estos dos últimos conectados con el interés por el retrato individual.

Los grandes escultores y codificadores del arte del momento serán:
Ghiberti autor de las Puertas del Baptisterio de Florencia, Donatello introduce el método de la perspectiva en la escultura, conjugándolo con el elemento popular que da como resultado el denominado "realismo dramático" de Donatello, en el que la gravedad clásica no es inconveniente para buscar en los rostros los gestos de la gente de la calle. Su obra más representativa es El David, realizado hacia 1420, que supone el primer desnudo realizado en bronce.

En conclusión  una época en la que los Humanistas descubren la cultura de la Antigüedad, el arte experimenta una estimación nueva al tiempo que la consideración de los artistas experimenta una transformación radical en todos los ámbitos culturales  sociológicos y por que no también en cuestiónes espirituales.

Referencias Bibliográficas:

·         EL RENACIMIENTO ITALIANO EN LOS SIGLOS XV Y XVI pág. 101 a 123 y sus lecturas: La estética de Alberti, Los grandes temas del tratado de la pintura, Oposición a la estética medieval y revolución Albertina.

Ensayo del renacimiento

Christopher Morales Guarneros

Querétaro, Querétaro, a 6 de Febrero de 2013 

UNIVERSIDAD AUTONOMA DE QUERETARO

FACULTAD DE BELLAS ARTES

Lic. MUSICA

Mtro. Alejandro Rosales

Materia: Pensamiento Filosófico del Arte

Alumno: Christopher Morales Guarneros

Trabajo: Ensayo sobre la lectura “EL RENACIMIENTO ITALIANO”

INTRODUCCION

El Renacimiento fue un parte aguas en la historia de la humanidad, ya que la ideología respecto al arte y a la concepción del mundo cambio radicalmente, ya que el observador no solo observaría sino que además seria observado y tendría una vasta colaboración del intelecto en un nuevo concepto en el que ahora el hombre sería el centro del universo y el tema de lo teológico sería puesto a la altura del hombre, se prestaría más atención al adorno y la interpretación que al uso, dando lugar a las interpretaciones individuales y colectivas de una sociedad a la que solo el arte destinaba para la iglesia, así pues en este ensayo se explicará el proceso de cambio social que experimentó la humanidad y que hasta hoy en día se ven los resultados de dicha metamorfosis.

EL RENACIMIENTO, SIGLOS XV Y XVI

Antes del Renacimiento, la concepción de la magnificencia del universo real y místico era ajena al ser humano, superior e inalcanzable, solo se contemplaba y admiraba, sin embargo, en el Renacimiento esto cambió, ya que la mirada del arte e incluso la religión, dejo de mirar al cielo, y paso de contemplar a cuestionar, pero no solamente cuestionó al universo por así decirlo, también se cuestionó a sí mismo, y al estar en esta postura el hombre renació, comenzando así, a, en el caso de la pintura religiosa, a plasmar a un Dios más humano, expresando que, por decirlo de algún modo, luce igual que el hombre.

Parte de esta observación recae en las pinturas en las que Dios esta posado ya sobre la tierra, no está en postura supra humana ni elevado en partes superiores de las imágenes.

“El gusto por el mundo sensible es decisivo. El universo material, de ahora en adelante, inspira amor por sí mismo y ya no como lenguaje simbólico. A esto se debe la primera conquista de Florencia: el cuerpo y la figura humanos”

En ésta época, al representar a través del arte, por ejemplo en el caso de los frescos (grandes pinturas en los muros) no podía solo ser el resultado de una extenuante observación, en particular por que el pintor era enseñado por maestros de pintura ya no por teólogos, al decir esto el resultado fue que se requería de una constante colaboración del pensamiento, usando más libremente la imaginación o su memoria.

Para que sucediera esto, el arte se tuvo que independizar, ser arte por arte, ya desligarse de la iglesia, y volverse laico, en esta etapa, por lo tanto el hombre aparece fuera del grupo de fieles que a través de arte expresaran culto, más bien aparece como composición única de elementos físicos, psíquicos e intelectuales.

Se deja de lado la observación, el espectáculo real nunca es suficiente, se exploran los rincones de la mente para poder expresar la realidad que percibe cada individuo, todo se debe más a la imaginación que a la observación, la pintura es más real, más terrenal, se redescubre la belleza humana.

En el caso de la naturaleza, cambia por completo su sentido, el naturalismo cambia su antigua percepción de enemigo, elemento aberrante, temible y maldito, aunque se hace mas real, su perspectiva ahora es de familiaridad, aunque nuca sometida a la voluntad del individuo.

En la Edad Media, el arte era “anestésico”, ya que su elemento activo era la utilidad, puesto que al pintar la naturaleza se realizaba en ello un acto de fe, porque el pintar la naturaleza era plasmar un ser viviente al servicio de Dios y esto, a su vez, era equivalente a rezar, en esta época, la vida activa se guiaba por la justicia y la vida contemplativa se guiaba por la oración, el individuo estaba sublevado a los ordenes divinos, la belleza no existe, solo el arte debe su existencia a la utilidad, de hecho si se intentaba embellecer a las iglesias los clérigos protestaban, esto en caso contrario refiere al Renacimiento.

“La belleza sensible glorifica en su raíz misma las más elevadas manifestaciones del arte”

En el Renacimiento se busca divinizar la vida, ahora en ésta etapa, se busca la belleza, y el concepto de belleza nace como armonía y perfección, ahora todo arte está sujeto a la belleza, a la perfección, ya no a la iglesia, incluso la arquitectura está limitada a la belleza en este caso claro está que a la utilidad pero más que la utilidad a la belleza, a los adornos, a las dimensiones bien distribuidas.

“La belleza es una cierta conveniencia razonable mantenida en todas las partes para el efecto a que se las desee aplicar, de tal modo que no se sabrá añadir, disminuir o alterar nada sin perjudicar notoriamente la obra”

La belleza se lograba o se obtenía, cuando ya no había nada que agregarle, es decir, no existe nada que la pudiera hacer mejor por el contrario cualquier cosa por mínima que se sugiriera sería perjudicial, puesto que la obra ya había llegado a su máximo, a su clímax. Así pues, la belleza tomo un papel estelar en la concepción del entorno q rodea al individuo y a lo que estará anclado el arte durante los próximos años.

La pintura tuvo sus nuevos postulados, por ejemplo Alberti y Leonardo:

“Procedimiento y método para captar el modelo el empleo del velo interpuesto entre el ojo y el objeto, cortando la pirámide de rayos para lograr una mayor precisión en los contornos”.

En el Renacimiento los exponentes más sobresalientes fueron, Rafael, Miguel Ángel, y Ticiano, Alberti y Leonardo Da Vinci, de los cuales partió la idea de embellecimiento de la vida, de convertir a un cuadro en una historia, de que al igual que la constitución humana basar la belleza en lo proporcional, en lo estético.

CONCLUSION

El Renacimiento, creo yo vino a des esclavizar al arte, aunque bien el arte nació dentro del clero, no tenia su futuro eterno ahí, aun que la iglesia hubiera aceptado un tanto su metamorfosis creo que no se hubiera expandido lo suficiente, pero en cualquiera de los casos la tendencia del arte era separarse de la iglesia ya que por ser expresión netamente humana debe ser siempre independiente.

En éste periodo, el arte se vio, al salir de la iglesia, frente a un vasto mundo lleno de posibilidades, pero que gracias a los grandes maestros, personas sabias, el arte no convulsiono en algo sin forma, gracias a los grandes exponentes tuvo sus lineamientos, que lo convirtieron en disciplina.

El individuo, volteaba al cielo, ahora voltea hacia su interior, y de ahí parte para crear, en base a su realidad y lo más importante, fuera de lo útil.

BIBLIOGRAFÍA

1 EL RENACIMIENTO ITALIANO EN LOS SIGLOS XV Y XVI pág. 101 a 123

Y Sus lecturas:

La estética de Alberti

Los grandes temas del tratado de la pintura

Oposición a la estética medieval y revolución Albertina

Quattrocento

Andrés Espinosa Lámbarri

Ensayo No. 2

Facultad de Bellas Artes

Filosofía del arte

Grupo 4

Universidad Autónoma de Querétaro

Prof. Cuauhtzin Alejandro Rosales Peña Alfaro

08-febrero-2013

Con el pasado de una increíble ignorancia además de una dictadura y terrorismo por parte de la iglesia, (la inquisición), era impensable una sociedad culta, interesada, con ganas de conocer, de algo más, únicamente con la esperanza de portarse lo mejor posible para ir al cielo en la vida después de la muerte. Aun que para muchos esto se convirtió en un infierno, tachados de delincuentes, blasfemos o incluso herejes, no por el hecho de llevar una vida que reflejara eso, sino, con el único fin de pensar libremente y experimentar, ya que tampoco existía la posibilidad de considerar a la ciencia una fuente fidedigna, ya que así no lo dictaban las leyes de la iglesia.

Pero al final de este periodo de oscuridad surgen las corrientes renacentistas, que, impulsadas por un deseo incontenible de saber que pasa en realidad con su mundo, rompen las cadenas de la iglesia y como bien dice el texto surge un Cupido sapiendi en Italia, más atinadamente en Florencia.

Los artistas en esta etapa separan a la pintura para desligarla de el arte primitivo, así hasta desaparecer totalmente la pintura cristiana. Ahora cada artista estaba obligado e impulsado por su mismo deseo a perseguir sus fines personales en la pintura, experimentar, es decir ver más allá de las fronteras que había impuesto la iglesia.

Ahora se requieren maestros de pintura y no teólogos, es cuando la pintura deja atrás a la predicación y comienza a valorar la estética en si misma.

Es increíble el modo en el que algunos artistas se rebelan para perseguir sus anhelos, sus expectativas artísticas en su arte, es inspiradora en especial esta etapa del arte para nosotros como artistas, saber y darnos cuenta de que siempre hay que velar por lo que uno anhela en su arte y que en vez de voltear a los lados debe voltear a sus partituras, a su pieza de mármol, a si lienzo etc.

Digo que ésta es la etapa más inspiradora del arte para los artistas debido a que estas leyendas inmortales en sus obras se enfrentaban a la muerte, al exilio, no solo a ser castigados por reglas de etiqueta como en la actualidad y otras épocas, también me deja claro que es necesaria una increíble disciplina.

EL giro que da el arte, de arte para predicar y el encuentro con Dios (en mi opinión aun es necesaria, más adelante explicare por qué) a un arte personal, destinada a describir situaciones más humanas, mas reales, de la mano de un deseo de descubrir de donde viene el hombre, a donde va, todo esto con un giro y a la par con un desarrollo científico paulatino que detonaría mucho más adelante en toda la humanidad.

Es también aquí cuando surgen la armonía y las ganas de una perfección sus obras artísticas.

También tomando en cuenta las observaciones hechas en clase:

Es interesante ver que se comienza a pintar a un Jesús más humano, un Jesús con los pies en la tierra no como antes que lo describían en sus obras como un Jesús que no es de este mundo, que se encuentra en los cielos, con la mentalidad de que nunca se podrá representar la divinidad en una pintura (yo opino que en realidad Dios se encuentra más que en cualquier otro lado que en las personas pero las personas no tienen otro modo de transmitirlo de un modo mejor que el arte).

En relación con lo antes mencionado del encuentro con Dios y el arte, creo que continúa siendo para la gente religiosa o no un medio justo y necesario para sentir la presencia de Dios.

Un día paseando por el Vaticano con un Padre amigo mío le pregunte: Padre ¿Por qué la iglesia si tiene propiedades tan valiosas monetariamente (esto sin negar que la iglesia así como hizo cosas malas, hace cosas buenas) no utiliza eso para ayudar a la gente? Y dijo: Porque en el instante en el que vendan, por decir la basílica de San Pedro automáticamente sería un museo privado donde perdería todo valor religioso que haya sido depositado en este además de que posiblemente muchas personas perderían la accesibilidad a dichos lugares, ya que la iglesia también se encarga de brindar a la gente un encuentro con Dios a través de un lugar donde las personas lo puedan encontrar en la belleza del arte, así mismo pasa cuando la música se convierte en un personaje más de la eucaristía.

Me es increíble como la gente puede tergiversar el sueño de alguien, así como en su momento lo iglesia lo hace con los principios, valores y enseñanzas de Cristo.

Pero también es hermoso ver como gente a través del arte comienzan en esta época a cambiar todo este concepto de un Dios castigador.

También es interesante ver como dentro de la misma época comienzan a desarrollarse los conceptos que son vigentes para el arte en estos días, así como estética, belleza etc. Con los mismo artistas sin cadenas y barreras de nadie.

La Importancia del renacimiento en el arte

UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE QUERETARO,

FACULTAD DE BELLAS ARTES, LICENCIATURA EN MÚSICA

Fernando del Carpio Marquez

grupo 4

2DO SEMESTRE

Alejandro Rosales

El cuatrocento y el renacimiento italiano, nos hace referencia a una nueva etapa de la humanidad, especialmente en la pintura la cual empieza a tener un auge mucho mayor en el que no se limitaba a lo que se pedía, como arista tu tenías muchas más libertades sobre tus pinturas y sobre tu arte en general. En esta época se pasa de un arte anestetico a un arte más libre para los artistas en la que los temas de las pinturas no se centraban solo en dios , si no que se centraban en los objetos materiales como algo que expresa amor y no solo representa un lenguaje simbólico, les hablare de los artistas más representativos y cual es el impacto de esto en el arte en general

En esta época empieza a perderse la necesidad de que toda la pintura sea religiosa ya que antes se creía que toda la pintura debía tratarse sobre un tema religioso porque era como una forma diferente de hacer oración o de rendirle alabancia a dios.

En el cuatrocento se empieza a tener una independencia religiosa la cual permite a la pintura tener una autonomía en la cual puedes pintar lo que se te venga a la mente lo que te plazca y sobre todo lo que sientes.

Antes del cuatrocento el arte solo trataba de la utilidad no necesariamente sobre la estética o la belleza, al entrar el renacimiento italiano el arte comienza a tener un significado diferente porque se empieza a hacer el arte por el arte en la cual el artista expresa sus sentimientos, es decir el arte se vuelve autónomo, independiente y sobre todo laico.

En esta época el arte se empieza a enseñar en los talleres de pintura por los maestros pintores, los cuales enseñaban a sus alumnos el valor de la belleza y de la estética, más bien dicho la inspiración de amor que ofrecía el mundo material.

La primera persona a denota es Alberti (arquitecto) el cual es el primero en denotar la belleza y la identificación de esta dentro de la perfección es decir es el primero en darle un valor mas estético a su obra.

Alberti nos dice que todo lo bello es aquello es a lo que y nada pude añadírsele ni quitarle nada, porque al momento que agregamos o quitamos algo estaríamos dañando la integridad de ese algo y por lo tanto dejaría de ser bello. El nos menciona 3 características en el campo de la pintura, “Quien no posee el dibujo, no posee nada.

Leonardo ,uno de los aristas mas conocidos de todos los tiempos, el nos menciona que el arte y la ciencia van ligadas una de la otra y afirma que sin la ciencia el arte no podría existir. Basado en su teoría de que la ciencia y el arte están completamente ligados Leonardo se permite inventar infinidad de cosas , desde prototipos de maquinas volados etc, etc, pero todo esto basándose de las cosas que lo rodeaban, así siendo acreedor a considerársele uno de los platónicos de su tiempo.

A mi parecer el renacimiento italiano marco una pauta muy importante dentro del ámbito artístico ya que da pauta a la libertad artística la cual relaciono en la música con el romanticismo en la cual el compositor al fin empieza a plasmar en ella todos sus sentimientos y todo o que le apetece transmitir a su púbico lo cual da una verdadera noción de lo que realmente es el artista y de los sentimientos de lo que mueven a cada obra y en el caso de los artistas en general el motivo de su sentir.

Bibliografia

El renacimiento y el siglo VII

“Uno, Dos, Tres… Quattro”.

Arturo Olmos Ybarra.

“Uno, Dos, Tres… Quattro”.

El arte desde el principio de los tiempos se ha manifestado entre los seres humanos como una manera de expresión e incluso de adoración. Pero siempre con un solo objetivo, el elaborar una representación del pensamiento.

Ahora nosotros gracias a los datos y obras históricas podemos darnos una idea de cómo ha sido la evolución del arte hasta nuestros tiempos. En este documento que presento se encuentran algunas ideas de lo que fue el Quattrocento, un período de renovación artística que brota en Florencia, Italia y recorre Europa alrededor del siglo XV.

Sabemos que el Quattrocento es una fase del período también conocido como Renacimiento, llamado así por la nueva forma de pensamiento y el resurgir de las artes en todas sus ramas. En el Quattrocento se caracteriza por los grandes avances surgidos en cuanto a técnicas artísticas y también por una incesable sed de conocimientos, es decir a los hombres de esta época requieren algo más que una visión mística/ divina como lo es la religión, en este momento el hombre se ve en la necesidad de abrir sus pensamientos, de querer conocer hechos, motivos y razones del porque suceden las cosas.

Como ya mencioné, se da un giro impresionante de la forma de pensamiento, la Iglesia católica pierde todo su poder  que había adquirido durante toda la edad media,  años de verdadera oscuridad ya que la mente humana no podía concebir otra cosa que aquellos dogmas religiosos y si se cuestionaba cualquier aspecto podría tener enormes consecuencias. En el renacimiento se libera de todo esto, la Iglesia pierde su poder y en su lugar se colocan las artes y es entonces cuando es necesaria la aparición de maestros que se dediquen a la enseñanza de las nuevas técnicas artísticas en lugar de sacerdotes y teólogos. Es entonces cuando aparece el pintor Sandro Boticelli y su revolucionaria pintura realista que trata de copiar de una manera muy exacta la naturaleza.

En cuanto a la estética del renacimiento se distingue por el descubrimiento del individuo, en la mente del hombre ya no hay cabida para representar fieles ni religión, sino más bien aspectos intelectuales, físicos, hablamos de un gusto por un mundo sensible y como lo hace Boticelli representar una familiaridad con la naturaleza. Durante la edad media todo el arte era anestético, es decir, no existía la preocupación de que el arte fuera bello sino más bien lo que pretendía era expresar a través de simbolismos el aspecto de santidad y divinidad, ni siquiera se tenía en mente aspectos sensibles o animales por llamarlo de alguna manera al contrario de esto los sentimientos eran visto como enemigos, prácticamente como herejía, el arte se orienta por la utilidad. Y bien si el arte de la edad media también representaba la naturaleza pero por la cuestión de que es obra de Dios y debe de ser algo bueno, y lo que representa es un equilibrio espiritual desde una vida activa guiada por la justicia y lo correcto y una vida contemplativa que es guiada por la oración y devoción.

En el arte del renacimiento lo que importa es: la magnificación del ser humano.

Aparece Leon Battista Alberti un arquitecto con una mentalidad cien por ciento humanista que es considerado como el primer revolucionario contra la estética medieval, su planteamiento de la estética está basado en  la  perfección. La belleza desde su punto de vista es considerado como  una perfecta armonía, es decir, que haya una cierta conveniencia entre todas las partes para lograr plasmar un efecto deseado, dicho de otra manera, que no se deba añadir, disminuir ni alterar nada de tal forma que no se perjudique la obra, todo este concepto también lo basa en la representación de la naturaleza.

Se piensa que la razón predomina ante todo.

Otra de las cuestiones que maneja Alberti en cuanto a la estética es que ésta se define gracias a: la organización de la obra y la sumisión ante las leyes que la rigen tomando como referencia un elemento de orden el cual  está dado por dos fases, la primera es la utilidad y la segunda se refiere a los números o proporciones; Alberti le atribuye una gran importancia a los números porque cree que en ellos se alojan varias virtudes ocultas y místicas, además son los que traen el orden al universo.

Alberti también nos menciona que la belleza está regida por dos formalismos, primeramente es la referencia pitagórica, la importancia de los números que mencioné anteriormente y como segundo lugar encontramos los términos de “finito” que se refiere a la calidad de la obra y la “collocatio” que es la posición respectiva de todos los elementos.

Con todo estos pensamientos Alberti dio un giro extraordinario a la historia de la estética, y el resultado de esta revolución fue que el arte ya no es dominado por un dogma ahora el arte es completamente independiente. El arte ahora es una disciplina, tiene una nueva estética y esto nos da paso a la universalidad, de aquí podemos decir que comienza el renacimiento.

Como conclusión pienso que es de suma importancia el tener en mente y conocer las diversas corrientes, ideas y toda la historia del arte en general, pues es una parte fundamental de nuestra formación como artistas. Además si conocemos nuestro pasado podemos analizarlo, reestructurarlo y dar pie a nuevas propuestas.

EL SIGNIFICADO DEL RENACIMIENTO EN/PARA EL ARTE

UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE QUERÉTAROBELLAS ARTES – LIC. EN MÚSICA 
PENSAMIENTO FILOSÓFICO DEL ARTE II
CUAUHTZIN ALEJANDRO ROSALES 
SARAÍ ÁLVAREZ MANRÍQUEZ 
SEMESTRE 2 GRUPO 4 

En el presente ensayo se pretende generar un análisis sobre la importancia del renacimiento desde el punto de vista del arte y llegar a la conclusión ¿De qué manera favorece el tratado de la pintura propuesto por Alberti a la música?

La belleza del arte medieval daba preferencias a la utilidad de un objeto y era anestética, es decir, opuesta a la del renacimiento (siglo XV y XVI) ya que en éste último surgieron diversos puntos de vista acerca del arte y su significado, un avance importante fue llegar a una etapa de humanismo inicial, es decir, que se pone especial énfasis en el cuerpo ya la figura humana. El arte primitivo, por su cuenta, ponía gran énfasis en el material de construcción y se daba mucho a la yuxtaposición, es por esta causa que entra una preocupación en cuanto a la exigencia de técnicas que llegará a los Clásicos con la composición, en la que, lo bello será la unidad en la variedad.

Existe un hombre de importancia a mencionar; un arquitecto llamado Alberti (1404-1472) que logra por vez primera una interpretación en el racionalismo y así identifica lo bello y lo perfecto. Alberti maneja una estética de la perfección en la que entra una imitación a la fuerza creadora de la naturaleza no simplemente a la naturaleza como objeto: “La obra de arte se considera como un todo orgánico y vivo”.

Por su gran interés en lo perfecto se puede decir que Alberti inicia el clasicismo, pues lo demuestra desde su primer tratado en el que menciona es importante el placer en sí, una estética de lo perfecto y lo final, racionalista en cuanto al programa, apropiación y comodidad. El principio del orden consiste primeramente en a utilidad y consecuentemente en el número (esas virtudes ocultas y místicas). Alberti inicia y cierra toda su estética en un formalismo racional y matemático.

Por otro lado tenemos el Tratado de la Pintura (en tres libros) propuesto de igual manera por Alberti que viene siendo la Carta magna de la pintura Italiana en aquellas épocas.

Alberti presta mucha atención a lo ilusionista reflejado en la pintura  y lo examina en tres formas: primeramente como cosa tangible, real y concreta; segundo, como objetividad y materialidad y finalmente por el lado superficial y efímero.

En el primer libro nos habla del tratado de perspectiva en el que menciona únicamente la perspectiva y la óptica como partes importantes ya que para Alberti un cuadro es un plano que corta la pirámide visual. En el segundo libro nos dice que lo bello es aquello a lo cual nada puede añadirse o quitarse sin perjudicarlo y nos desglosa en tres categorías el campo de la pintura: la circunscripción en la que destaca el trazo, la línea, el circuito, el contorno, esa delimitación y añade “Quien no posee el dibujo, no posee nada”; la composición con una estética de la disposición, del orden y equilibrio, de la naturaleza y la recepción de las iluminaciones, es decir, la captación en la que sobresale el blanco y el negro, el relieve. El tercer libro únicamente cierra todos éstos pensamientos y no es de gran relevancia dentro de la estética.

Posteriormente la obra de arte se hace independiente, lo bello será algo que se aproxima a lo perfecto y la forma humana (el hombre) aparece por donde quiera.

Se considera a Alberti un platónico y precursor de Leonardo Da Vinci en la vida, en el carácter enciclopédico de su inteligencia y en su genio creador.

Para Leonardo (otra figura importante) el arte es inseparable de la ciencia, de hecho, es la aplicación de ésta. Leonardo recoge todos los frutos del humanismo que lo rodeaba, inventa máquinas voladoras y miles de cosas más, considerado quizá como el primer platónico de su tiempo.

El arte del Renacimiento (siglo XV) era un jardín secreto. Después de Leonardo, el arte que renacía de los clásicos es el fruto definitivo de una habilidad y de un saber. Es un arte viene a ser el armoniosos y ordenado doble del objeto copiado.

La información apenas conocida sobre estos dos grandes personajes; Alberti y Leonardo principalmente nos ayuda a conocer las generalidades del Renacimiento, quizá dividido o no como por dos etapas como nos mencionada el texto. Sin embargo es gracias a éstos personajes que en el Renacimiento surgen los grandes tratados del arte. Surge esta tendencia también del arte por el arte, ya que se quitan los factores sociales y se hace arte por hacerlo simplemente con influencia del mismo arte. En el renacimiento se da la perfección y la armonía pero su principal objetivo era que el hombre se llenara de conocimiento, de todo este saber.

La música si aun no tenía un gran auge es beneficiada como os demás artes, pues el avance en cuanto a considerar la pintura (algo de las manos) como bella arte ya fue un gran avance, se humanizó el arte en ésta época se busco la perfección. La música sin duda se ha beneficiado por éstos avances, pues sin ellos quizá las artes manuales seguirían siendo minimizadas. En cuanto al tratado de la pintura, creo que puede aplicar a la música, ésta última contiene una circunscripción y una composición (dentro de la partitura) pero sobre todo una captación (recepción). La música en sí, ya es bella y perfecta.

BIBLIOGRAFÍA
EL RENACIMIENTO ITALIANO EN LOS SIGLOS XV Y XVI pág. 101 a 123 y sus lecturas: La estética de Alberti, Los grandes temas del tratado de la pintura, Oposición a la estética medieval y revolución Albertina.

¿Arte o artesanía?

Saúl Mendoza Galindo

Introducción:

En este ensayo de nombre ¿obra de arte o artesanía? se trataran dos conceptos que en la mayoría de las veces se tienden a confundir ya que van de la mano, no es lo mismo un artista y un artesano.

A lo largo de la historia el artesano ha sido parte fundamental del arte en general ya que en su objeto o producto cada vez plasma algo diferente y por lo tanto es cambiante de igual modo que la obra de arte es el reflejo de la sociedad, es muy importante tener en cuenta y entender que aunque el artesano y el artista producen arte no son lo mismo y por lo tanto se deben tomar diferentes medidas de valoración para cada uno.

Después del análisis de textos de títulos como canastitas en serie he desarrollado este ensayo con la finalidad de que el lector pueda hacer una crítica de igual forma respecto a estas 2 manifestaciones artísticas; la obra de arte y la artesanía. El problema que planteo en este trabajo es diferenciar uno del otro así mismo invito al lector a indagar sobre lo que es una artesanía ya que en la mayoría nosotros como consumidores de alto consumo tenemos una idea errónea de lo que es artesanía y quien y de donde surge tal concepto, cabe mencionar que en muchas ocaciones parece que menospreciamos las artesanías simplemente por que estamos acostumbrados a tener y adquirir productos en serie,es decir, productos de fabrica, productos que en su mayoría carecen de defectos y no le damos paso a nuevos productos como las artesanías que son hechas a mano con el esfuerzo del artesano, con esto no quiero decir que el artista no realiza algún esfuerzo sino que el artesano trabaja y tiene oficio para sobrevivir de aquí que las artesanías están menospreciadas y se remunera la mínima cantidad.

La artesanía es única y cada una tiene un significado diferente lo cual el arte también lo es, solo que el arte siempre se hace con un objeto, es decir una intensión y en la artesanía se hace con un fin utilitario además de contener una belleza en el mimo objeto y la obra de arte es solo de carácter contemplativo, puede ser de fin utilitario como lo son la artesanías pero pasa a ser solo de vitrina un lugar donde no se puede tocar solo contemplar como ya lo dije anteriormente.

Pero ¿Los productos hechos en serie son arte o podrían considerarse como obras de arte o mejor aún, como artesanía?

En el ensayo tratare de plasmar las ideas más concretas y entendibles posibles para ir desarrollando así mismo el tema, que es obra de arte y artesanía.

Comenzare hablando principalmente por la artesanía…

“actividad productiva y creativa de carácter plástico manual e inspiración tradicional; de concepción y planificación seria; que se materializa en objetos obras o piezas que responden a una necesidad funcional o de uso cotidiano, decorativo, mágico o religioso, con técnicas manuales y no manuales pero nobles genuinas y de control personal por parte del artesano; cuya producción es restringida y destinada a un mercado reducido comercial conocido por el artesano.”(F.Chiti 2003).

Es curioso e importante saber y tener en cuenta que las manifestaciones de artesanía como así lo llamamos ha existido desde siempre ya que es de carácter utilitario, los primeros seres humanos en la antigüedad tenían que elaborar productos con los cuales ellos pudieran zacear sus necesidades por ejemplo para tomar agua debieron de crear un instrumento por ellos mismos para poder llevar el agua a su boca, un recipiente, y surgió la tasa, esto como un ejemplo, con esto quiero decir que siempre han existido las artesanías quiero mencionar que casi todas las técnicas artesanales tienen miles de años.

Cabe mencionar que ahora las artesanías se han enfocado en objetos con un fin utilitario y además estético

En la antigüedad la hermosura no tenía valor, no le daba validez a un objeto su belleza sino el fin para el cual podía ser utilizado con esto quiero aclarar que en un principio el objeto del artesano es creado precisamente para satisfacer una necesidad como ya lo dije anteriormente.

Muchas veces creemos que la imitación de una artesanía, me refiero a esto en el sentido de cuando se quiere hacer una copia idéntica atreves de una maquina por ejemplo las fabricas, producto pierde el aura, con aura me refiero a el alma de la misma artesanía una vez que el objeto artístico es imitado ya no tiene la intensión del artesano a si mismo ya pierde todo contacto con él y se vuelve simplemente un producto más uno de los cuantos es fabricado con una sola intención, vender el producto, aclaro, esto no significa que la artesanía no sea hecha para vender sino que lo que tiene más valor es el esfuerzo y la dedicación que el artesano invierte en su producto, no quiero decir que la artesanía debe tener un alto elevado sino que en ella va gran parte del mismo artesano, como una cicatriz casi borrada, algo que va plasmado y aparte que se puede tocar coso que en la obra de arte no sucede, en un objeto hecho manualmente por un artesano va ´plasmada la fraternidad del hombre así mismo la capacidad creadora y por supuesto la imaginación.

La artesanía es resultado de un trabajo, de una técnica la cual se ha ido pasando de generación en generación y no es un símbolo sino que es la vida física plasmada en un objeto, muy cierto es que cada artesano deja siempre un pedazo de su vida.

La artesanía es siempre de carácter local ya que cada pueblo tiene sus propios artesanos y estos artesanos sus propias costumbres y necesidades lo que nos lleva a tener una gran diversidad artesanal, como el arte de igual forma la artesanía nos ayuda a conocer el entorno de una sociedad y de varias ya que en cada objeto artesanal va plasmada también rasgos de sus mismas costumbres e ideologías.

Esta gran diversidad nos permite socializar ya que nosotros como consumidores de alto consumo podemos conocer e indagar entre las raíces de dichas artesanías así como conocer nuevos entornos ya que cada artesano nos muestra parte de su vida, parte de sí mismos.

El artesano nunca quiere vencer el tiempo sino unirse a su fluir, es decir cada uno aporta en su producto parte de la época y por lo mismo va cambiando cada artesanía, podría decirse que la artesanía es un estilo y es anónima que aquí no existe el yo sino el nosotros, para el artesano no es de gran importancia que su arte sea expuesto en una galería en vitrinas sino ser en la mayoría vendidas para< el sustento por más hermoso que sea su arte.

Cabe mencionar que el artesano no está atado a reglas o ideologías, el artesano no tiene patria, es decir, el artesano no es leal a ninguna idea o imagen sino a su propia practica; su oficio.

Considero de igual manera que diversos autores que la artesanía es el latido del tiempo ya que en ella van plasmados un sinfín de aspecto los cuales dan una identidad de la época y van trascendiendo a lo largo de toda la historia.

“El concepto artesanía se funde con el de “arte popular”, entendido como aquel conjunto de actividades productoras, de carácter esencialmente manual, realizadas por un solo individuo o una unidad familiar, transmitidas por tradición de padres a hijos y cuyos productos, generalmente de carácter anónimo, están destinados a la cobertura de necesidades concretas”.

La artesanía ha ido adquiriendo diversos conceptos a lo largo del tiempo, hay que no le da el valor de arte y lo engloba en un medio para comerciar, pero lo que sí es cierto es que en un principio no fue creado con un fin artístico sino con un fin utilitario.

El arte…

El artista moderno está enfocado a la conquista de la eternidad y el diseñador a la del futuro.

El arte se puede clasificar en artes útiles como puede ser una mesa o inútiles como un cuadro, también como instrumento de contemplación, y surge como un medio para educar al pueblo y es un reflejo del entorno de la sociedad.

Marc Chagalla: El arte es sobre todo un estado del alma1

1http://www.artistassinfronteras.es/component/content/article/118.html

El artista plasma un significado en su obra el cual puede ser visible o puede no serlo, arte en su mayoría no da paso a la imperfección ya que tiende a trascender con la técnica, una obra de arte tampoco se presta a la reproducción ya que al momento de hacerlo esta pierde su intensión, es decir el aura de la obra.

La revolución estética es la que da el valor a las obras, entonces el valor se determina también por la divinidad, es de carácter intelectual y en el mismo el que se dice no se plasma y existe una gran relación significativa entre utilidad y estética.

En la religión artística es lo contrario no existe una relación entre lo hermoso y lo útil, ya que la belleza es funcional.

La artesanía es local y el arte internacional. El artesano no es leal a una idea ni a una imagen si no a su oficio, el artista puede ser producto de ello.

El destino de la obra de arte es la eternidad en un museo, el objeto de la artesanía por muy bella que sea no busca transcender en un mundo comercial de alto consumo y con fin utilitario.

La finalidad del arte es dar cuerpo a la esencia secreta de las cosas, no el copiar su apariencia… Aristóteles2

2http://www.pensamientos.org/pensamientosarte.htm

1 http://www.mujer.com.py/index.php?option=com_content&view=article&id=343:el-concepto-artesania&catid=69:arte&Itemid=152

2 http://www.gracielaolio.com.ar/textos%20web/arteyartesania.htm

Conclusión.

Desde mi punto de vista el artesano concibe materiales con su esencia de vida, dándole así mismo el aura a la obra, la cual representa la cultura y experiencias, por lo tanto un producto artesanal no puede ser igual el uno del otro.

El arte y la artesanía son dos conceptos que implican la creación de un objeto en el cual se plasma la imaginación y la creatividad de un sujeto, esto implica que se a lo mismo ya que el artesano es de carácter local y el artista nacional.

La artesanía surge con fin utilitario de modo que satisface necesidades que en su mayoría es de uso cotidiano, el arte carece de utilidad, entonces surge con un fin contemplativo el cual expresa el entorno de una sociedad, en el arte también va plasmada la creatividad e imaginación del artista, donde el mismo plasma una idea en el significado de su obra.

En mis opiniones de gran importancia tener bien en claro que estos dos conceptos van de la mano pero cada uno de ellos tiene diferente significado y es hecha con una intensión completamente ajena una de la otra.

El arte es como fin contemplativo y no es útil por lo tanto no significa que no sea poseedor de un esfuerzo, y la artesanía es con un fin utilitario el cual en primera instancia no lleva la intención de crear un objeto como bello sin algo útil.

Arte y Artesanía

Pensamiento filosófico del arte II

Abraham Corbella Ruíz Gpo 4

El mundo que vivimos hoy día es rápido, sentimos el tiempo con la prisa de terminar y perdurar en la existencia, marcamos límites, vaciamos nuestra mente en la eterna divagación del ser y su lugar en este espacio hueco y carente en mucho sentido humano del día a día, casi esfumando el milagro de estar vivos, sin preocuparnos la satisfacción del respirar, para hacerlo, tenemos que salir de esta ciudad, viajar al campo, dejar las calles, buscar las terrazerías, viajar al bosque, tener la oportunidad de dar un buen respiro no es cosa sencilla de conseguir.

Se nos presenta una necesidad de búsqueda, de trasmigración a una vida real sin conceptualizar objetos ni nombrar raíces, nada más necesario para esta sociedad hipertecnológica pos moderna que revisar dentro de sí, qué hace para respetar el derecho humano al vivir este milagro que llamo vida. Impregnado el contexto propio de significados que carecen de un sentido poético, vidas llevadas a un límite absurdo como la búsqueda de recursos económicos con una locura tremenda y ansiedad de drogadictos, parece que realmente hemos enfermado como raza y nos acercamos a un final.

Todavía quedan restos de la verdadera humanidad por aquí cerca, en nuestros corazones, aún llamamos al amanecer una esperanza y al nacer comprendemos la buena dicha de estar sanos y salvos en este mundo.

Este ensayo basa su conflicto entre el humano que decide qué es lo importante para sí, dándonos cuenta muchas veces que dejamos a un lado nuestro faceta más natural y sobria, por un montón de papel y fierro que nada vital para esta vida es.

La vida del indio sigue buscando sentido en el interior suyo así como encuentra la unidad en la naturaleza, el relato de canastitas en serie me parece cosa de todos los días, cosas que vemos frecuentemente en nuestra ciudad y cosas que pasan en las localidades rurales de la cercanía, vemos que la oportunidad aparece por un conjunto de factores artificiales que de los cuales muy pocos lo han establecido o son privilegiados. Negando en automático la igualdad de derechos a nuestro sector indígena en toda América Latina.

Aún con esta situación de violencia social y desigualdad de oportunidades, me pregunto por qué seguimos con la mira en el sector indígena, por qué sigue de pie luchando por convivir en esta sociedad que de principio ha sido suya. La manufactura para que este oaxaqueño hiciera su artesanía es muy especial para nuestro análisis puesto que lo realiza desde el corazón y esto vale más que hacer cualquier actividad humana por papel y fierro y así perder su alma.

También tenemos el ejemplo del modelo económico moderno y la relación con América latina y el mundo en el personaje que intenta hacer negocio lucrativo con el indio, para alguien con la mentalidad que tiene nuestro vecino del norte, es imposible comprender este actuar artístico artesanal, no cabe en una concepción lógica, es completa locura rechazar este tipo de ofertas cuando se presenten, porque todos buscamos el dinero de alguna manera y más allá de lo que necesitamos, nos creamos ideas sobre quién somos a partir de superficialidades absurdas y completamente huecas.

El modelo industrial menciona Octavio Paz tiene un desencanto tal como la fría ecuación matemática, la realidad la sistematizamos en conceptos haciéndola que difiera de sí misma, se vuelve en un desechable a penas lo sacas del empaque, imita tendencias cíclicas que su fin primario es invertir en cosas que no necesitamos de verdad pero nos han dicho que el ser humano tiene que vestir de tal manera o ver y escuchar ciertas cosas para encajar en la sociedad de hoy.

El arte llega a encajar mucho con este modelo industrializado con el cual nos enfrentamos día a día, se crean obras artísticas por el hecho de admirarlas, sin ninguna función en específico, le hemos dado identidad propia y ya no significa, sólo es. Esto se presta mucho a entender el arte como algo vacío y sin sentido y así mucha gente se asombra haciendo juicios estéticos basados en la nada. No caigamos en esta intelectualidad hueca.

La artesanía por otro lado no tiene reglas, sen enfrenta ante un modelo económico que la opaca y no la deja florear naturalmente pero aún así, sé que vale más porque cumple una función y mientras tanto utiliza ciertos elementos que hacen reflexionar al humano su lugar en el mundo y propósito.

De esta manera concluyo llegar a un equilibrio entre quehacer artístico, objetos de arte, modelos industriales y artesanía con significado trascendente para la humanidad y así llevar armonía con nuestros actos y pensamientos.

Traven, B., (1998) Canasta de cuentos mexicanos, Canastitas en Serie. Ed.Selector, México, D. F.

Paz, O. (1998) El uso y la Contemplación Revista de Camacol v. 11(1): Edición 34, marzo 1988, pp. 120-125.

La obra de arte

Facultad de bellas artes

Materia: Pensamiento filosófico del arte 2

Maestro: Alejandro Rosales Peña Alfaro

Alumno: Miguel Hernández Medina

Grupo: 4

Semestre: 2

Trabajo: ensayo 1

Fecha: 01/02/2013

En este ensayo revisaremos que es lo que diferencia la obra de arte de la artesanía, con ayuda de las lecturas q hicimos en clase.

Tomaremos en cuenta como se define el artesanía, por que es diferente del arte y si esta puede ser arte en algún momento. También veremos por que el arte es diferente al artesanía, que es lo que la caracteriza. También veremos que muchas obras de arte de la antigüedad cuando fueron hechas fueron artesanías, veremos que fue lo que las transformo en obras de arte.

Comencemos en este momento tomando en cuenta que la diferencia entre arte y artesanía se da por que nosotros mismos le damos ese valor, pues un artesanía en la antigüedad se realizaba con la intención de ser útil y como nos menciona la lectura de “el uso y la contemplación” antes la belleza era inherente a las artesanías no era algo que se posteriormente fue que se empezó a buscar esta belleza, pero ya no se le daba utilidad al arte es ahí donde el arte se dividio de la artesanía, pues incluso la belleza de la artesanía estaba en su utilidad.

Revisando también el arte, esta es para la contemplación no tiene utilidad alguno incluso podría considerarse inútil, si, suena bastante pesado esta idea pero si lo vemos desde un punto de vista frio es real, el arte no es inútil pues la utilidad del arte es dejarnos escapar del mundo por un momento, bueno eso ya es mi impresión.

Con las obras de arte ahora pasa algo muy raro, antes eran artesanías y se pensaban con una utilidad y eso era en parte su belleza, después se buscaba la belleza, incluso en lo grotesco, pero se seguía creando el arte por hacer arte, pero ahora muchas “artistas” solo crean arte por el hecho de hacer dinero y formar parte de la elite de artistas de moda. Esto a hecho que se creen obras de arte con poco sentimiento, que en un principio es lo que le da el verdadero valor a una obra de arte el sentimiento que te genera.

Como pasa una artesanía de ser una artesanía a ser una obra de arte, eso pasa cuando nosotros le quitamos la utilidad, pues el artesanía es aquella que se hace con un fin utilitario, incluso las vasijas romanas, los vasos mayas, todas ellas en su momento de creación eran artesanías pues tenían una utilidad, pero al pasar del tiempo y al estar extinta la rasa nosotros le quitamos su utilidad y la hicimos arte. Y la artesanía no necesariamente tiene que ser hecha en masa o varias iguales, el artesanía pueden ser piezas únicas y aun así siguen siendo artesanías, también estas son hechas a mano o de manera muy intima, esto es también lo que les da una belleza sin igual que, con el tiempo o por algunas personas pueden ser consideradas arte en lugar de artesanía.

Como conclusión puedo mencionar que la diferencia entre arte y artesanía, es la utilidad pues al igual que el arte, la artesanía requiere trabajo y una gran carga emocional como lo menciona el texto de “canastitas en serie” cuando el indio mención que en cada una de sus artesanías hay una parte de su alma, por esto mismo las artesanías no pueden ser producidas en masa por maquinas, pues estas carecen de lo primordial que es el sentimiento, es por eso que el arte y el artesanía son tan parecidas. De cualquier modo el arte nació del artesanía.

Traven, B., (1998) Canasta de cuentos mexicanos, Canastitas en Serie. Ed.Selector, México, D. F.

Paz, O. (1998) El uso y la Contemplación Revista de Camacol v. 11(1): Edición 34, marzo 1988, pp. 120-125.

COMUNIÓN Y DIVERGENCIA ENTRE ARTE Y ARTESANÍA

Ana Karina Pedrero Vargas

Cuando se habla de artesanía vienen a la mente imágenes como el de las mujeres que venden muñecas de trapo en la calle, pumas de papel maché, juguetes típicos, canastos de mimbre, máscaras, etcétera. En lo que no se piensa, es en las obras de autores como Renoir, Tolstoi, Mozart y Virginia Wolf. No se piensa dos veces antes de decir que las obras de estos autores son arte. Pero a las llamadas artesanías no se les considera como tal, sino que se les asigna este nombre como una especie de diminutivo, incluso de manera peyorativa, algo así como un arte en pequeño.

Su elaboración requiere virtuosismo, no hay dos artesanías iguales, y son hechas por mano humana, pero nunca se les ha concedido la gracia de la genialidad, no se considera que su creación brinde una idea, o un motivo particular, como el que necesariamente debe dar el arte, y no cumple con los requisitos que por años se les ha adjudicado a las piezas artísticas. Para lograr hacer una comparación justa y completa entre estos dos conceptos, primero, se deben analizar todas las características de ambas.

Por un lado está la artesanía ¿Quién la elabora? ¿Cómo es el proceso de elaboración? ¿Qué uso se le da? Y ¿cuál es su propósito?

En el texto de “Canastitas en serie” se deja más que claro, que el proceso para hacer las canastitas, no solo es tardado, sino que requiere de paciencia, inversión monetaria, energía, y ánimo. El artesano, muy claramente le aclara al extranjero que sus canastitas son hechas por él desde la materia prima, y que para hacerlas necesita inspiración. Por lo tanto se puede deducir que la artesanía, al igual que el arte, requiere de un proceso intelectual, y el artesano refleja en sus canastitas su visión de la naturaleza, y, por lo tanto, hay una expresión. Con esta deducción se puede separar a las artesanías, de los objetos inspirados en éstas, que están hechos en serie, y a la vez se le puede relacionar con el proceso intelectual que una obra de arte necesita para su realización.

Por otra parte, está el artesano. Regresando al texto de Traven, se describe al artesano del relato como un hombre sin recursos económicos, que apenas tiene las nociones básicas de la matemática, obviamente no es un hombre que haya desarrollado académicamente su talento para hacer canastitas, sin embargo, las fabrica, y comprende que su objeto no es una simple canasta. Al principio del relato él regateó su producto, pero al momento de elaborarlo en cantidades industriales, su precio aumentó de acuerdo a la cantidad de energía (de todo tipo) que él tendría que invertir. Sus canastitas no tenían nombre, ni firma, y las personas que las compraron ni siquiera se molestaron (ni se interesaron), en preguntar su nombre, sus artesanías carecían totalmente, para fines prácticos, de autor, estaban en el anonimato. Esta es una gran diferencia entre arte y artesanía, ya que, si bien si existen obras de arte anónimas, en la gran mayoría de los casos las obras tienen algún símbolo o nombre que reconoce su origen, la firma en la obra de arte es muchas veces el arte en sí, ya que es el indicio de que ha sido creado, ya no por la mano del hombre, sino por la mente y la razón del humano. El artista refleja su personalidad, sus sentimientos y principalmente su forma de ver la vida. En la artesanía, por el contrario, el origen se restringe al pueblo de procedencia, o a la cultura que acostumbra ese tipo de objetos, también podría considerárseles a estas inclinaciones como autorías, pero ni siquiera viéndolo de esa manera podría haber una relación espiritual con la personalidad de alguien, que es, al fin de cuentas, lo que busca el arte: comunicar una idea, hacer pensar.

Las muñecas de trapo son para jugar, las canastas son para poner cosas y los vasos para contener líquidos, ¿o no? Una de las características de las artesanías, es que (si bien, tienen un uso específico, ya que estos objetos son, físicamente hablando, muy claros en cuanto a su utilidad) su función puede distorsionarse, y una jarra llega a convertirse en un adorno, y ya no se puede jugar con la muñeca de trapo, porque es “de adorno”. Estas dos palabras (tan usadas) son clave en el análisis de la artesanía, porque la función principal de una muñeca es entretener a una niña (o a quien sea) en un juego, pero al ser vista como una artesanía, como un objeto digno de admiración, la muñeca de trapo adquiere otro valor, y ya no pertenece al conjunto de juguetes comunes, sino que se convierte en un juguete, pero de colección, un objeto especial que celebra el concepto de juguete, que representa la razón de ser de una muñeca, pero su existencia particular es tan especial que no puede ser manipulada, para no alterar ese estado de perfección.

“Hay un momento en el que el objeto industrial

se convierte al fin en una presencia con un valor

estético: cuando se vuelve inservible. Entonces se

transforma en un símbolo o en un emblema.” – Octavio Paz (1998)

La muñeca de trapo vendría siendo el objeto industrial, es decir, el mero uso o función, sin nada escondido, pero al ser pensado como una artesanía, su significado se transforma y adquiere un valor estético, por lo mismo de que ahora es perfecto y representa a la idea de un juguete, pero celebrada, se vuelve inútil, ya que no puede cumplir su función en el plano material, pero en el plano de las ideas, sigue siendo útil, ya que su función no se ha puesto en duda, solo que ahora es un símbolo.

El arte, por otro lado tiene la facultad, de poder representar cualquier idea, no se pensó para un uso específico, y por lo tanto existe la libertad infinita de adjudicarle su significado a cualquier cosa, es totalmente libre, sin ataduras de ningún tipo, su único propósito es transmitir una visión del mundo, y esta visión varia según el espectador, y para lo que uno es un cuadro que representa a la naturaleza de las cosas, para otra persona es la idea de la tristeza. En el arte existe, como menciona Octavio Paz, un enriquecimiento espiritual, que la artesanía no brinda, si bien la artesanía consigue ver objetos cotidianos de manera más profunda, no logra despertar el espíritu para ver lo que la obra de arte esconde, no existe una doble significación, ni ese mundo infinito de ideas. Es eso lo que distingue a la artesanía del arte.

BIBLIOGRAFÍA

· Traven, B., (1998) Canasta de cuentos mexicanos, Canastitas en Serie. Ed.Selector, México, D. F.

· Paz, O. (1998) El uso y la Contemplación Revista de Camacol v. 11(1): Edición 34, marzo 1988, pp. 120-125.